Das Theater neben dem Turm (TNT) ist eine freie Produktionsstätte der Darstellenden Künste in Marburg (Hessen). 

Um auf aktuelle Herausforderungen als vierköpfiges Team reagieren zu können, begleitete ich im Rahmen von fünf von mir konzipierten Workshops Diskussions- und Austauschformate.

In unterschiedlichen Konstellationen (als gesamtes Team, als Duos, als Einzelgespräche) konnten vier Herausforderungen ausgemacht und zu diesen die für die Bewältigung nötigen Aufgaben abgeleitet werden.

Der FESTIVALFRIENDS-Verbund besteht aus sieben Freie-Szene-Festivals.

Für diesen Verbund entwarf ich in Zusammenarbeit mit der beauftragten Design-Agentur den Markenauftritt des Verbunds.

Mit einem additiven Logo-Ansatz zeigt sich die Struktur des Verbunds - als Netzwerk unterschiedlicher Positionen, die in ihrer Vielfalt und unterschiedlicher Verbindung gezeigt werden können. Eine klare Formsprache schafft eine zurückhaltende Rahmung, die mit einem bolden Farbkonzept inhaltliche Akzente der einzelnen Festivals und der Verbundsformate zeigt.

Die Entwicklung der Website verfolgte einen barrierearmen Ansatz. Die klar ersichtlichen Seitenebenen werden von Navigationstexten in Leichter Sprache begleitet. So schaffen wir visuelle und inhaltliche Transparenz - egal, an welcher Stelle sich Besucher:innen befinden.

Mit der #TakeNote-Förderung durch den Fonds Darstellende Künste war es möglich, die Belange und Netzwerkbestrebungen freier Produktionsleiter:innen substanziell zu fördern.

Für einen ersten Internetauftritt und zukünftige Kommunikationsanlässe wurde ich mit der Entwicklung eines Logos beauftragt. Auf Grundlage des Netzwerknamens produktionsbande und der bereitgestellten Materialien zur Namensfindung konnte ich einen visuellen Logoansatz ableiten. Der konzeptuelle Ansatz bestand darin, textile Gewebemuster mit labyrinthischen Wegestrukturen zusammenzubringen.

Mit einem klaren schwarz-weiß-Design, das sich der klassischen Design-Moderne bedient, konnte ein wiedererkennbares Logo entwickelt werden. Klare, zurückhaltende Verbindungslinien treffen auf raumgreifende, ausschweifende Zirkellinien. Wege sind schließlich nicht nur straight lines. 

In meinem Arbeitsalltag als freier Kulturproduzent begegne ich einem oft antizipierten Verständnis des Aufgabenbereichs der Produktionsleitung: Projektorganisation und Finanzadministration. Ausgehend von der Entwicklung der Regieposition von der Ablauforganisation hin zur künstlerischen Leitung versuche ich in meinem Essay Das Andere als Standard, aktuelle Problematiken der künstlerischen Praxis und unternehmerischen Verantwortung künstlerischer Leitungen darzustellen. In der Verbindung aus Kunst und Unternehmung, aus einzigartigem Projekt und administrativem Standard, sehe ich die Produzent:innen und Produktionsleiter:innen als Mittler:innen zwischen genau diesen beiden Bereichen. 

Produktionsleiter:innen und Produzent:innen, so meine These, imitieren eine Theaterorganisation ohne Theater und ohne Organisation. Aus dem Fehlen dieser Organisation als nachhaltigem, belastbaren Apparat — und hiermit ist nicht unbedingt oder automatisch ein Wunsch nach eben dieser impliziert —  erarbeiten sie eine Membran, an der sich künstlerische und Produktionsprozesse berühren, an und mit der sich ein flexibler Rahmen und die Einzigartigkeit eines künstlerischen Vorhabens wechselseitig bedingen können.

Mit meinem Text "Das Andere als Standard" versuche ich für mich persönlich, die Tätigkeit als Kulturproduzent und Produktionsleiter begrifflich zu fassen und zu verorten.

Es ist der Boden (der Erde, der Bühne), aufgesogen mit toxischen Materialien, der hier keine Bedeutung mehr tragen mag. Doch nun schwemmt es nach oben. Und mit ihm die saugenden Klänge des Moders, die wir traurig nennen. Und die Tiefenzählungen beginnen. Eine musikalisch-essayistische Begegnung mit Schlamm und Schauer trister Um- und Zustände.

FESTIVALFRIENDS ist eine gemeinsame Initiative des Verbundes regionaler Festivals der Freien Darstellenden Künste, bestehend aus Performing Arts Festival (Berlin), 6 tage frei (Stuttgart, Baden-Württemberg), Hauptsache Frei (Hamburg), RODEO (München), FAVORITEN (Dortmund, Nordrhein-Westfalen), IMPLANTIEREN (Frankfurt am Main, Rhein-Main-Region) sowie neue unentd_ckte narrative (Chemnitz).

Als Interimsprojektleitung erarbeite ich die administrative, organisatorische und kommunikative Grundstruktur des Festivalverbunds. Dabei agiere ich als Mittler zwischen dem Verbund, den in ihm organisierten Festivals und dem Bundesverband Freie Darstellende Kunst als Förderer. Mit dem Zielbild des Verbunds, den individuellen Bedarfen der beteiligten Festivals und den übergeordneten Anforderungen in der Fördermittelverwaltung entwickle ich Basisstruktur, die als rechtlicher, organisatorischer und inhaltlicher Rahmen für den Start der gemeinsamen Arbeit der FESTIVALFRIENDS fungiert.

Ein Raumschiff treibt zwischen Planeten, zwischen dem Vergangenen, Vergessenen und Verlorenen – hindurch durch das Nichts. Oder ist da doch etwas? Um das Schiff wieder zum Laufen zu bringen, erforscht die Performance-Künstlerin Asja Mahgoub den Umgang mit dem Unbekannten und bewegt sich dabei durch zähe Materie. Sie testet Narrationen des Entdeckens, Erzählungen von Fortschritt und Beschreibungen des Fremden. Welchen Aggregatzustand haben unsere Identitäten? Die Performance „Sticky Matter“ heißt Sie zu dieser Mission willkommen an Bord. Bewahren Sie Ruhe und bleiben Sie wachsam.

Sechs Performerinnen, zahllose Partyrequisiten und die Frage „Wie viele Feste haben wir eigentlich schon zusammen gefeiert?“ Was 2019 als szenisches Experiment begann, um den Chor der zaungäste herauszufordern und seine Grenzen auszuloten, wurde durch die darauffolgenden Entwicklungen längst eingeholt: das Thema Vereinzelung und Distanzierung wurde auf einmal höchst brisant und real. Was also bleibt übrig von der Gemeinschaft, wenn wir uns nur im Netz versammeln können? Und ist das schon eine Party, wenn wir uns gegenseitig auf Bildschirmen anstarren und dabei Wein trinken? „Ich trinke mein Glas leer und träum, dass es schön wär‘. Ein Chor vermisst Dich“ macht da weiter, wo „Diesmal machen wir alle alles allein“ im Dezember 2019 aufhörte. Ausgangspunkt sind die damals entstandenen Soli über die Einsamkeit, das (fehlschlagende) sich einander Bekanntmachen, die Schwierigkeit, sich die Namen der anderen zu merken, den Kummer und die Lust des Vermissens.

Dieser Moment, in dem alles aus dem Ruder läuft: wo Du am liebsten abhauen oder in einem Lavasee untertauchen willst. Wenn die Ohren heiß werden, der Kopf rot anläuft und die Hände nicht mehr wissen, wohin. Willkommen im Universum der fucking Pbrtt. Wäre echt nett, wenn mal jemand helfen würde. Wenn das behaarte Bein eine klare Ansage machen könnte, wie die Arme ganz lässig in den Hosentaschen verschwinden. Aber nein, eh alles zu groß, zu klein, zu dick, zu dünn oder merkwürdig verfärbt. Ja, glotzt Ihr nur!

PINSKER+BERNHARDT laden (wirklich!) alle ab 12 Jahren ein, die fucking Pbrtt als den ultimativen Brain-Body-Killer aller menschlichen Zustände zu ergründen. Das Theater wird dafür zum Laboratorium, in dem wachsende Pickel und Schamhaare das Kommando übernehmen, während das Personal versucht, diesem absurden Spektakel auf den Grund zu gehen.

Es ist wahrscheinlicher, von einer herabfallenden Kokosnuss getötet zu werden als durch einen Haiangriff. Es ist wahrscheinlicher, durch die Bedienung eines Getränkeautomaten zu sterben als durch eine herabfallende Kokosnuss. Was wir für wahrscheinlich halten, steht oft nicht im Verhältnis zur statistischen Häufigkeit eines Ereignisses. Sonst würden wir nicht Lotto spielen. „Trip of a Lifetime“ ist eine performative Stadtführung, die sich dem recht unwahrscheinlichen Ziel verschrieben hat, im Stadtraum einem Exemplar des größten lebenden Säugetiers, dem Blauwal, zu begegnen. Und doch: Es ist wahrscheinlicher, am Ufer des Mains von einem Wal gefressen zu werden als von einer herabfallenden Kokosnuss erschlagen zu werden.

IMPLANTIEREN ist ein biennal stattfindendes Performance Festival von ID_Frankfurt e.V. (Independent Dance und Performance e.V.). Es ist 2013 aus den Festivals Tanzpanorama und Rough Cuts hervorgegangen und reagiert als Format für ortsspezifische Performances explizit auf die Raumnot vieler freischaffender Künstler:innen. Neben neun größten Teils extra für das Festival produzierten künstlerischen Arbeiten wurden für die Festivalausgabe 2020 auch diskursive Formate sowie ein Vermittlungsprogramm entwickelt. Diese nahmen ebenfalls den Schwerpunkt des öffentlichen, wie auch des gemeinschaftlich genutzten Raumes in den Blick.

JASCHA&FRANZ arbeiten mit unterschiedlichsten Kompliz:innen an der Konzeption und Umsetzung lustvoller Räume und deren Inhalt. Räumliche Gestaltung oder gestalteter Raum: Für die beiden gehen Architektur und Design ineinander über. Ihre Räume, Installationen und Designs entwerfen sie aus dem Wunsch nach Interaktion und Teilhabe. Sie sind immer ganzheitlich partizipativ und vor allem kollektiv gedacht. Ihre Raum- und Designarbeiten sind Einladung und Anstiftung zugleich — zum Eintauchen und Einmischen.

Für die bisherigen Projekte des Raum-Design-Duos JASCHA&FRANZ entwickelte ich die Referenztexte.

Schreien in angemessener Lautstärke befasst sich mit der Inszenierung, Kontrolle und Steuerbarkeit des Phänomens Schrei. Der Schrei wurde in seiner kulturgeschichtlichen Entwicklung in erster Linie als lautstarker, stimmlicher Ausdruck und akustisches Zeichen eines Affekts gesehen, als Technik jedoch vernachlässigt. Kristin Gerwien (Stimme) und Moritz Junkermann (DJ) fügen im experimentellen Set bestehend aus Stimme, Tonträgern, Effektgeräten und performativen Einlagen spielerisch die vielfältigen Erscheinungsformen des Schreis zu einer Soundcollage zusammen.

Es braucht lediglich 6,6 Ecken, über die jeder Mensch mit jedem beliebigen anderen auf der Welt in Kontakt treten kann. Dieses „Kleine-Welt-Phänomen“, das ursprünglich aus der Sozialforschung der 1960er Jahre stammt, machen Susanne Zaun und Marion Schneider zu Arbeitsgrundlage und Ausgangspunkt für die Entwicklung von sechs unterschiedlichen Soli mit Performerinnen, die gewöhnlich gemeinsam als Chor auf der Bühne stehen. Die sechs Soli sind skizzierte Versuchsanordnungen, in deren Mittelpunkt das Thema Einsamkeit steht. Die Soli sind Episoden einer Serie. Jede dieser Episoden steht ästhetisch für sich, doch kommt es – wie bei jeder guten Serie – besonders auf die internen Verweisstrukturen an, die die Solistinnen miteinander in Beziehung setzen und bereits Gesehenes in einem anderem Licht erscheinen lassen.

Lisa Schettel, Laura Eggert, Constantin von Thun und Nils Weishaupt holen Scham bewusst auf die Bühne. In einer großen Recherche haben sie persönliche Schamerlebnisse geteilt, sich der eigenen Scham untereinander ausgesetzt, Interviews mit Freunden und Familie, mit Forschenden und Expert:innen geführt. In ihrer Produktion Tausend Tode, die ich sterbe bringen sie diese Erlebnisse und Berichte an die Rampe, um den bekannten Affekt in neuem Licht zu zeigen. Es geht dabei nicht um Skandale oder nackte Haut. Vielmehr erforscht das Team, wie wir durch Berichte über schamvolle Ereignisse erfahren können, wie unser Miteinander gestaltet ist. Scham wird so zu einem lustvollen Suchen nach dem Sprechen über das, was uns die Röte in den Kopf, den Schweiß unter die Achseln treibt. Kön-nen wir Scham vom Bühnen- in den Publikumsraum übertragen? Und was passiert, wenn Scham in Fremdscham überschlägt? Was bleibt von einer Scham, wenn alle sich schämen? Im Idealfall: Die Einsicht, das Scham nicht trennen muss, sondern verbinden kann.

Ein Drittel aller Ehen werden wieder geschieden, zwanzig Prozent aller Familien sind alleinerziehend, Singles gibt es wie Sand am Meer und trotzdem glauben alle noch an die große Macht des Paarseins. Oder? Mit einem einsamen Roboter, einer rachesüchtigen Axt und einem romantischen Kugelgewicht schauen wir in dieser Performance genauer hin, was es bedeutet, zu zweit zu sein.

Für alle, die auch schon mal zugucken mussten, wie andere zu zweit sind oder noch nicht wissen, ob sie lieber eine zweisame Insel wären oder der drumherumkreisende Hai.

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance, sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst in ihren Produktionen im ständigen Wechsel ihrer optischen Erscheinung. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Wir wissen: 1 und 1 ist 2. Wir wissen außerdem: 1 minus 1 ist 0. Was aber schon bei diesen grundlegenden Gleichungen verloren geht: Eine Auseinandersetzung mit jenen beiden wenig fassbaren Größen, die die Mathematik seit Beginn ihrer Entstehung zu berechnen sucht und zu jener Zeit noch viel gemein hatte mit ihrer befreundeten Disziplin, der Philosophie. Versuchen wir, zu den Wurzeln von Mathematik und Philosophie, dem Rechnen und dem Denken, zurückzukehren, kommen wir dem auf die Schliche, was die Mathematik mit Formeln und die Philosophie mit Worten seit jeher im Dienste der Wissenschaft zu ermitteln versuchen: Dem Nichts und der Unendlichkeit als schwer denk- oder berechenbare Größen.

ON COUNTING holt die grundständigen Instrumente der Mathematik - Zahlen, zählen, Formen, Muster - auf die Theaterbühne, um sie im Verhältnis zu ihren Entwicklern zu betrachten: den denkenden Menschen.